29 декабря 2011

High Wolf - A Guide To Healing


High Wolf
A Guide To Healing

Bathetic Records, 2011


1. Free Your Energy Field
2. Swallow Pills with Ganga River Water

Если вы еще не знакомы с творчеством этого молодого человека из Франции, данная семидюймовка подойдет лучше всего. Часто упоминаемый для описания его музыки New Age - не более чем растерянность и недальновидность. На деле имеем кислотную психоделию и дрон-музыку, замешанную из потока звуковых петель, извивающихся ритмов барабанов и приглушенного ретро-звучания.

Пусть вас не смущает название треков и обложка – все это лишь игра, жонглирование спекуляциями. Мост, переброшенный между религиозным экстазом Востока и звенящим холодом индустриального Запада. Так как в реальном мире между этими мирами весьма противоречивые отношения, связь налажена через ЛСД-шное подпространство, где любые противоречия отходят на второй план, и все контрасты  цивилизаци на этой планете соединяются во фрактальные переливы, вибрирующие нити и полупрозрачный гудящий туман. В какой-то мере это и есть нью-эйдж – его современная, непрерывно мутирующая форма. Но в действительности это образцовый краутрок, каким его создавали Popol Vuh, Harmonia и Cluster. Для тех, кому в свое время не хватило музыки этих коллективов, трудится сейчас High Wolf, одну за другой выпуская кассеты, винилы и CD-r с дневниками путешествий в надмирное пространтво планетарного сознания. Божества всех мировых религий в вечном танце вселенского карнавала; храмы, усыпанные цветами; улицы, залитые солнечным светом. Всегда отдыхающая и всегда создающая творческая сила Космоса.   




Также хороши альбомы Atlas Nation и недавно вышедшая на Not Not Fun кассета Étoile 3030.
Запасайтесь свободным временем, восточными сладостями и вкусным чаем : ) 


A Guide To Healing mediafire
Atlas Nation mediafire
Étoile 3030 mediafire

22 декабря 2011

Sunhiilow – From There To Here


Sunhiilow
From There To Here
Self-released, 2011

За именем Sunhiilow скрывается таинственная девушка по имени Valerie Magisson из Франции, и это, по сути, первая демо-запись проекта.  Выдержанная в уже ставшем классическим для кассетной дрон-музыки звучании, она тем не менее приятно отличается качеством записи и аранжировкой. Вместо обычного вязкого месива из звуков и шумов здесь все инструменты звучат разборчиво и чисто. В наборе имеем ретро-звуки клавишных, лупы перкуссий, гитарные переливы и отдаленные, едва узнаваемые голоса. Все подобрано тщательно и гармонично, поэтому несмотря на обилие звуков и эффектов слушатель попадает в некий аудио-лес. Птицы, шорохи, загадочные огоньки, полупрозрачные мотыльки, клочки тумана между деревьями, ярко зеленеющие папоротники и светящийся в тени мох... Психоделическое пространство, в котором никогда не знаешь, что и кого можно встретить. 


Несмотря на безопасность и теплую атмосферу первого трека, второй нарастает тревожным звенящим гулом, обрывками голосов, похожими на крики чаек, холодным завыванием ветра. Открыв глаза, можно обнаружить себя стоящим на сером побережье холодного осеннего моря, с нависшим над ним свинцово-тяжелым небом. Увидеть выбеленные солью ракушки под ногами, начать идти, чтобы услышать звук барабана, который своим раскачивающим ритмом уводит обратно в пространство размытых форм и незнакомых запахов, оставляет нас наедине с мыслями, которые повисают в паутине звуков и освещаются бликами солнца. В этом месте путешествия мы можем услышать незатейливую песню, доносящуюся словно сквозь влажную, зеленую пелену джунглей, заглянуть в загадочные пещеры со свисающими плетями мха и капающей водой, увидеть в отдалении горы и гигантские статуи, скрытые облаками... 


Магический эффект музыки здесь очень силен. С одной стороны, это конспект путешествия Валери по странам востока – Непал, Вьетнам, Камбоджа, Таиланд – все впечатления здесь смешались, от каждого посещенного места и повстречавшегося человека остался уникальный след. Калейдоскоп впечатлений, талантливо запечатленный в звуке. С другой стороны, это весьма достойный дебют, по всем показателям не уступающий большинству релизов Sweat Logde Guru или Foxy Digitalis. Настоятельно рекомендуется поклонникам этно-дрона и кассетной психоделии.

Tumblr
download (sendspace)

13 декабря 2011

WYLD WYZRDZ – From a Stone


WYLD WYZRDZ
From a Stone
Inner Islands, 2011

В конце лета я писал о Stag Hare и новом дыхании в психоделической музыке. Сейчас, когда от пола тянет холодом, а за окном нависает серое небо, самое время послушать теплой музыки.

2011 год подарил миру небольшой кусочек суши, которую тяжело найти на картах, но легко в интернете - лейбл Inner Islands, объединение трех исполнителей для издания собвстенной музыки и организации концертов. Stag HareWYLD WYZRDZ  и gkfoes vjgoaf создают собственный стиль, уютно устроившийся внутри всеобщего увлечения аудио-кассетами, чилл-вейвом и психоделической этно-музыкой. Все три исполителя в этом году свели свое звучание к общему знаменателю, который с чисто технической стороны можно описать как легкий, прозрачный дрон, опирающийся на монотонные и неспешные перкуссионные ритмы и разукрашенный непрерывным повторением петель из звуков голоса, колокольчиков, маракасов и всего, что может попасть под руку. Кассетная музыка 10х годов нашего века, реинкарнация нью-эйджа, музыка с человеческим лицом. Если бы Popol Vuh не старались играть сложно, а Стив Роуч (Steve Roach) забыл как писать мелодии, и зацикливал каждый удачный сэмпл, то, возможно, такая музыка появилась бы еще лет 30 назад. 

Сейчас любая музкальная форма прежде всего рассматривается в контексте наследования уже существующих стилей, часто при этом пропуская мимо главное - то, зачем это звучит. Любой описание новорожденного стиля,  дает понимание как музыка звучит, но очень редко заставляет слушателя подумать о том, что движет музыкантами. Такое впечатление, будто создание музыки - соревнование в том, у кого звук уникальнее. Этот подход рождает монстров, которые живут не дольше, чем поддерживается хайп вокруг них. Автор данного альбома (он же автор обложки) не пытался создавать ничего нового в плане звука, поэтому вы быстро пройдете мимо, если привыкли оценивать музыку лишь по форме, но задержитесь подольше, если почувствуете настроение, которое ему удалось создать.  

Возможно именно объединение сил в лице трех музыкантов так повлияло на музыку лейбла, возможно просто общность взглядов - в любом случае то, что мы слышим резонирует очень глубоко. Настроение этой музыки по детски наивно и мечтательно, но в нем есть нотка вечности, некий особый аромат, который ни с чем не спутать. Как ощущение в щеках, когда улыбка вот-вот готова появиться на лице, в то время как сознание в растерянности пытается подобрать причину для веселья. "Songs for the softer side of the human animal." - говорит аннотация к альбому. С такой позиции становиться ясно, что шумные стили вроде чилл-вейва, психо-фолка и гипнагоджика - это барахтанье в мешанине красок и теней, хаос в перегруженной информацией голове современного подростка. WYLD WYZRDZ - голос спокойствия, музыка  светлой стороны силы : ) И становится понятно зачем она звучит - чтобы показать нам, что спокойствие есть, что умиротворенность не обязательно похожа на одурманенные туманные сны. Это горный воздух, танцы под звуки барабана под открытым небом, яркие краски, зеленые луга и синее море. Красивые девушки и парни, улыбки и любовь).
 
Вся эта красота может быть как новым локальным хиппи-движением, а может стать лишь очередным домашним лейблом. Все вышедшие в этом году релизы лейбла звучат в том же духе, что и From a Stone, поэтому если вы прониклись позитивом и тропическим грувом этой работы, смело можно слушать остальные альбомы родственных проектов. Также имеется совместный проект всех трех музыкантов - River Spirit Dragon. Смогут ли наши герои достичь совершенства в выбранном направлении и развивать начатое, покажет лишь время. Сейчас же у нас есть прекрасная возможность окунуться в беззаботное лето!  




From a Stone mediafire

10 декабря 2011

Lunar Abyss Deus Organum – Tryakusta


Lunar Abyss Deus Organum
Tryakusta
Vetvei, 2011

Edition limited to 485 hand numbered copies in full-colour six-panel cardboard sleeve.
This result was obtained by mixing three recordings of concerts:
July 1, 2010 in art-apartment "Vmeste" - a meditative sound performance "Ring Time" - feat. Kshatriy;
July 4, 2010 a morning concert in "Zelenogorsky Festival of ambient music vol.1";
July 14, 2010 a meditative sound performance "Diamond Sandman - 12 th floor" in the art-apartment "Vmeste";


Мир содержит свое начало. Исток, питающий любую активность, направленную на создание миров. Творение, творчество, как процесс жизни. Ощущение принадлежности к чему-то высшему, всегда присутствует в каждом акте творчества. Когда же оно выражается в полной мере, целенаправленно, появляется музыка, подготавливающая слушателя к первоначальному звуку.  Гипнотические состояния, в которых приостанавливается поток мыслей и отошедшая на задний план личность человека отпускает его сознание в первоначальное состояние. Это пространство между жизнью человека-зверя и осознанием себя.

Подобное чувство можно испытать от созерцания древних, как принято говорить, архаичных сооружений. Спокойная уверенность, перед лицом которой проносятся века и тысячелетия. Первые слова человеческой речи в лесу, гул примитивных музыкальных инструментов, шум ветра и эхо пещер, стены которых покрыты рисунками шаманов...

Где-то в центре этого сплетения картин и звуков все время звучит мелодия, перезвон колокольчиков, ритмичный, успокаивающий, зовущий вперед, как огни светлячков, среди обросших мхом деревьев. Это мелодия изначального потока, принадлежность к которому, выражается древними каменными сооружениями, - их постепенном исчезновении из мира материи по мере слияния с ним. Так и колокольчики, теряясь в тумане и мглистых зарослях, приводят слушателя/созерцателя в некое место, где тревожно гремит гром, раздаются голоса людей и нависает ощущение принадлежности и неминуемого участия в работе планетного механизма. Пульсация биосферы, скрещенная с гулом машин, песнями и потоками информации. Одно существование внутри другого, каждое аналогичное предыдущему, повторяющее узор мира-прообраза но раскрашивающего его своими собственными оттенками. Ловушка ума, в которой любое событие и ситуация кажутся незначительными, мышление идет категориями пульсирующего целого, в котором каждое событие служит своей цели, как каждый лист дерева связан с корнем, и каждая звезда притягивает другие. Музыка этого пространства вложенных существований - искрящийся и шумящий лес, в котором одни виды жизни питаются другими и один особый вид создает свои территории: чтобы развить цивилизацию, вести ее к некой цели, все равно при этом оставаясь привязанными к этому лесу, словно пуповиной.

Шаманы с самого начала времен служили помощниками в связи миров, между которыми живет человеческий род. Специалисты по коммуникациям. Сегодняшний наиболее эффективный метод - музыка. Гул, шум и ритм. Портал напрямик в Абсолют.

buy
listen at vk.com

21 ноября 2011

Hidden Vibes Vol. 1 compilation


Various Artists – Hidden Vibes Vol. 1
Genre: Post-Rock/Ambient/Piano/Drone
Format: mp3 | CBR320kbps
Size: 124 Mb

Tracklist:
01. EUS - Mil Cartas Para Není
02. Short Hair Ideals - Winterbird
03. aiRless pRoject - triggering mixed states at random times
04. Cold Womb Descent - Colony of the Remnants
05. Mealann - Die Leere
06. The Landwash Of Eternal Tranquility - Forgotten Love Letter
07. Raphaël D. Hardy - The House Of Candy
08. Endless Melancholy - First Dream
09. Non Dolet - Raindrops On My Shoes
10. fydhws - VI
11. Creation VI - Libertas
12. Gamardah Fungus - Forester Blues

Компиляция треков исполнителей, о которых писал блог Hidden Vibes
Разнообразная музыка, объединенная общей темой поиска глубины и скрытой гармонии во всем, что окружает человека. Урбанистические пейзажи, просторы верхних слоев атмосферы, природные пейзажи и путешествия в глубины сознания.

 Creation VI - Libertas by piedpaper

listen & download

18 ноября 2011

Creation VI - Svitanok


Creation VI
Svitanok
11/2011

Новый трек медитативного дрон-эмбиента, исследующий близкое к психоделическому состояние, которое возникает после бессонной ночи перед самым рассветом. Момент встречи Солнца, как выход из пограничного состояния ума и переход в новую фазу – сон, начинающийся, когда природа просыпается.  Момент осознания иллюзорности времени. Вращение Земли вокруг желтой звезды всего лишь цикл, представляющийся временем пока человек живет. Сон, как доказательство относительности, а порой и бессмысленности времени. Мир, в котором сознание существует в себе самом, творя настроения, измерения, эмоции и события. Ежедневный шанс выйти за грань пространства и времени. 





04 октября 2011

Теплый ламповый Quasipop


Статья для kievreport.com


Музыка приходит к слушателю через носитель. The medium is the message, культура носителей настолько глубоко интегрирована с процессом появления на свет новой музыки, что без нее саму музыку рассматривать сложно. Как творчество неотвратимо несет образ создателя, так пластинка, кассета или компакт бессмысленны без содержания, и должны находиться в гармонии с ним. Уже поздно пытаться понять, насколько материальный носитель виноват в формировании какого-либо стиля музыки, но то, что такие случаи неоднократны, сомневаться трудно. Что-то подобное могло произойти с киевским лейблом Quasipop, если не 10 лет назад, когда он лишь появился, то в последние годы так точно.
Эдвард Сол, идеолог лейбла Quasipop, выступает в ЛабКомбинате
Для возникновения любого музыкального направления нужна история, какая-то легенда или памятное событие — то, что любят именовать «концепцией». Слово это модное уже не первый десяток лет и такое приятное ушам тысячам музыкантов, такая своеобразная расплывчатая, легкая, но емкая похвала интеллектуальным замыслам создателя. Но кажется совсем неуместным употреблять этот термин, когда речь идет о настоящей, правдивой истории. Концепция — то, что рождается в попытке создать интеллектуальный багаж, такой себе бонус к звуку. В результате имеем не музыку, а плотно упакованный и обклеенный марками пакет информации, который может простоять на полке пару лет, так и не будучи прослушанным.
Таким образом, желаемая «концепция» — простая крайность, противоположность которой — мр3 релиз на нет-лейбле, с названиями песен вроде Track 11. Любая музыка может найти слушателя, но в этих завалах звуковых дорожек на любой вкус быстро становится скучно. Все равно, что долго рыться на барахолке, в надежде найти что-то стоящее и находить лишь хлам. Пусть хоть даром отдают. Рано или поздно возникает желание зайти в интересный магазин, где каждая вещь на своем месте. Понятное дело, в Киеве искать такие места бесполезно, все равно музыкальная жизнь идет в интернете. Вот тут сегодняшние меломаны могут найти все, вплоть до желания выбраться из этой паутины. Тогда на помощь приходит старый проигрыватель, советский кассетный магнитофон и вообще любые подручные технические средства, могущие спасти человека от холода единичек и нулей, ощутить воспетый (в интернете, кстати) «теплый ламповый звук». Можно прожить всю жизнь в таком состоянии, если ни разу не ставить вопрос, в чем же преимущество перемотки кассеты карандашом перед фубаром с плагинами? Характерную приятность звучания винила мало кто станет оспаривать, но почему это не работает, если слушать винил-рип, скачанный на приватном торрент-трекере?
Особенность интернета, как источника музыки в том, что можно не заметить, что происходит у тебя под носом. Интересно было бы сравнить количество людей в Украине, слушающих электроакустику, нойз, импровизационный фолк и знающих о существовании лейбла Quasipop? Вряд ли будет преувеличением сказать, что лейблы нашей страны, занимающиеся экспериментальной музыкой, можно посчитать на пальцах, и одним из первых был по-настоящему домашний Quasipop. Эдуард Соломыкин, известный под псевдонимом Edward Sol, в одиночку прокладывает путь для андеграунда через завалы модной и популярной музыки. Но не стоит думать, будто кто-то с кем-то борется, само название «Quasipop» кажется наглядным пояснением того, насколько разграничены миры разный музыкальных направлений. Этот лейбл — спасение как для тех, кто пластинки слушать не переставал, еще и продолжает интересоваться экспериментальной сценой, так и для уставшего от интернетов меломана. Здесь самые разнообразные исполнители на самых разнообразных носителях каким-то образом уживаются под одной крышей. Диапазон вкусов куратора лейбла простирается от эмбиента и фолка (SKLS, Naoki Ishida, Библиотека Просперо, Volcano The Bear), до нойза, саунд-коллажей и конкретной музыки, как от японских патриархов (Merzbow, KK Null, Astro), так и европейских (Pruient, Jorgen Knudsen). Хотя неожиданно можно обнаружить хоррор-серф от Messer Chups, свободный джаз от Лассе Мархауга или нечто вовсе неклассифицируемое.
Перейдя в последнее время на кассеты и семидюймовки, Эдуард заметно активизировался: количество издаваемого материала возросло, а оформление и подача каждого релиза остались неизменными. Продуманный дизайн (многие издания Эд оформляет лично) уверенно держит баланс на грани между DIY и серьезным изданием. К каждому продукту Quasipop можно применить слово «концепция», но это будет лишь часть правды или даже ложь. Скорее уместно говорить о «медиа», том самом «message», которое не обременяет слушателя интеллектуальностью или нагромождением символов, а просто общается с ним. В этом и задача материального носителя — быть посредником, но не самим посланием; разъяснением, но не усложнением. Можно играть со слушателем в игру, можно загадывать загадки, но только если музыка может дать ответы, а не бумага в которую она завернута.
Один из самых свежих релизов Quasipop
Другой, более интенсивный способ общения со слушателем — концерты. Их у нас не больше чем лейблов, поэтому каждый намечающийся концерт непривычной Киеву музыки ожидается с нетерпением. Edward Sol, после долгого перерыва возобновил выступления, а августе организовал мини-тур по городам Украины с норвежцем Sindre Bjerga, и под конец сентября был обещан в столице, в реинкарнировавшемся ЛабКомбинате. Компанию ему составили The Cat’s Orchestra и Mpala Garoo — два молодых исполнителя из России. На концерте они решили объединить усилия и выступить вместе, что оказалось неудачной затеей, так как вместо обещанных «тропикалий» и «ритуального серфа», слушатели получили около часа скомканного, приглушенного и негармоничного дрона, отдававшего сыростью первых альбомов Maeror Tri. Контраст между ожидаемым и полученным подчеркивал холодный гараж с бетонный полом в котором все и происходило. И без того немногочисленная публика не выражала какого-либо энтузиазма, и на выставленные на продажу приятного вида кассеты, мини-диски и CD-R поглядывала с недоверием и опаской. Но атмосфера изменилась с первыми звуками выступления Edward Sol. Сначала это была резкая, громкая и непредсказуемая конкретная музыка, иногда переходящая в нойз. Богатство образов и непрерывное движение — две главных составляющих этого потока звуков, которые Эд извлекает из кассет с полевыми записями, контактных микрофонов, гитарных педалей и еще множества различной техники. И если вначале это движение шло по траекториям, изгибавшимся под невероятными углами, то ближе к концу все пошло по прямой, плотным, многослойным и пульсирующим дроном. Этого хватило, чтобы окупить все недостатки вечера. Несмотря на то, что музыка для Эдварда в первую очередь дело очень личное и кропотливое, она умеет общаться со слушателем, рассказывать ему что-то новое, заинтересовать, загадать загадку или удивить. Да-да, все правильно, именно музыка общается с вами, не музыкант. Наверное, вот это и называется талантом, а может быть это просто искренность.
Фрагмент выступления Эдварда в Лабкомбинате
Конечно, не стоит думать, что больше никто не поддерживает тусклый свет андеграунда в темных коридорах нашей страны. В последние годы появились такие лейблы, как~taqueOT и Turbinicarpus, подход к делу у которых во многом перекликается с Quasipop. Там можно найти не только экспериментальную электронику и эмбиент, но даже таких диковинных зверей, как академический минимализм, саунд-коллаж и свободную импровизацию. Небольшие, но красивые полянки для ценителей искреннего творчества, неиспорченного рекламой, «концепцией» или «признанием». Человек гораздо больше внимания уделяет музыке, которую он сам нашел, поставил в проигрыватель и вместо того чтобы продолжать серфинг в Сети, сидит и рассматривает конверт, буклет, открытки и вкладыши. Часто лишь несколько минут такого ритуала дают связь со слушателем более сильную чем часы музыки прошедшей фоном. Хороший носитель умеет привлекать внимание к содержимому, соблазнив на покупку, отличный же — обратив внимание внутрь музыки, к вдохновению автора.
Пусть у нас нет сцены и концертов, мало публики и всего несколько лейблов, но стоит помнить, что не нужно далеко идти в поисках качественного «медиа», исполнители со своего мира издаются и в нашей стране. Если появится слушатель, воспринимающий музыку не как сырье для потребления, но как способ общения и развития, то будут и интересные концерты, и хорошие лейблы и вообще все, о чем пока можно лишь мечтать.


Официальный сайт лейбла: Quasipop.org
Организатор концерта в Лабкомбинате - AzhPromo

18 сентября 2011

Dirge – Elysian Magnetic Fields



Dirge 
Elysian Magnetic Fields
Division Records, 2011

01. Morphée Rouge
02. Obsidian
03. Cocoon
04. Sandstorm
05. Elysian Magnetic Fields
06. Narconaut
07. Falling
08. Apogee

for neformat.com.ua

Пока пост-метал группы первого эшелона распадаются, отдыхают и думают чем бы разнообразить свою музыку, французы Dirge, не особо напрягаясь, пишут превосходный материал. Не вдаваясь в эксперименты, они идут путем совершенствования ранее выбранного стиля. Elysian Magnetic Fields - альбом выверенный, отточенный, продуманный от начала до конца.

Начавшись зашумленным гитарным фидбеком, который очень напоминает звук сирены, альбом сразу же погружает в свой не очень-то гостеприимный мир. Раскачивающий рифф, тяжелое и характерное для коллектива грязное звучание гитар, полюбившееся еще с альбома And Shall The Sky Descent, сразу дает понять, что группа подымает планку качества все выше и выше. Второй трек начинается звуками органа, продолжается в том же духе что и первый, продолжает звучать та же ритмика, но становится больше мелодий, больше фонового шума и больше отчаяния в голосе. Мелодии просты и зациклены, это скорее отголоски некой давно забытой музыки, звучащие сквозь песчаную бурю. Идущий четвертым трек Sandstorm тому подтверждение, хотя, слушая альбом и не заглядывая в плейлист, совсем забываешь о разделении на треки. Монотонность альбома кому-то может показаться утомительной, но тогда таким же стоит считать Salvation от Cult of Luna. Эта монотонность поверхностна, стоит лишь погрузиться на уровень ниже ее и появляется видение всей красоты этого мира. Все равно, что подняться на самолете над облаками. Сквозь шумную, пыльную атмосферу прорываются голоса, странные звуки, обрывки мелодий и гудение баса. Ритмичный, мощный пыльный шторм, накрывший целую планету.

После первой половины альбома наступает небольшое, очень тревожное затишье на эмбиентном треке Narconaut, и шторм продолжается, ветер крепчает. Это музыка максимально отвлеченная от слушателя, этот альбом как рассказчик, которого, может быть, некому уже слушать в мире, где остался только песок, пепел и руины. Как будто послание, записанное свидетелями гибели цивилизации перед тем, как умереть. Повествование о причинах, погубивших целый мир и назидание вероятным будущим инопланетным посетителям, которые увидят лишь пустыню, когда шторм успокоится.

Кстати, аналогия с песчаной бурей напомнила рассказ Роберта Шекли "Поднимается Ветер". Эта короткая зарисовка на тему борьбы человека с инопланетной стихией не совсем соответствует проникнутой отчаянием атмосфере альбома, но может быть хорошим сопровождением к его прослушиванию.

Последняя кульминация наступает в конце трека Apogee, который можно назвать одним из самых лучших на альбоме за разнообразие и ту силу и красоту, с которой он подводит итог этому приключению.

download at mediafire

14 сентября 2011

Skruta / Foible Instinct / Forever Wasted - Split




Skruta / Foible Instinct / Forever Wasted
Split

Trismus records, 2011

До того, как услышать этот диск, я немного удивился сочетанию грайндкора и сладжа в одном релизе. Ведь одно дело - взрывные 50-секундые боевики, и совсем другое – долгие, монолитные, медленно и тяжело шагающие ритмы Forever Wasted. Впрочем, дуализм и контрасты никто не отменял.

Открывает диск Skruta, взрывным и суматошным грайндкором, в котором сразу же легко узнать образцовые (даже можно сказать классические) для этого стиля стандарты Napalm Death и всех последовавших за ними коллективов 90-х. Таким был грайндкор в его первозданном виде – остервенелый и агрессивный. В этом виде стиль существовал недолго, и весь современный грайнд можно условно разделить на две категории – стёб и панк. К первой, с легкой душой, можно отнести все миксы грандкора с другими жанрами, все бульканья-хрюкания и альбомы, где название трека читаешь дольше, чем он звучит. Вторая категория – устаревший, тяжело поддающийся развитию стиль, как музыкой, так и содержанием, напоминающий панк-рок. Как в свое время панк взрывал головы слушателей невиданной агрессией и пытался доказать миру, что рок может быть другим, так и ранний грайндкор своей необузданной животной энергетикой противопоставляется лишенному эмоций и зациклившемуся на технике игры, дез-металлу. В контексте такого деления, Skruta определенно должна цениться на украинской сцене, как носитель незапятнанного примесями стиля. Также, аналогия с панк-роком немного наталкивает на такой факт, что музыка этой команды весьма напоминает давний альбом каверов Undisputed Attitude, казалось бы, не относящихся к делу, Slayer. Возможно, это сравнение напрашивается из-за схожести логотипов команд, но и чисто музыкально можно провести много параллелей.

Следующая команда, Foible Instinct, резко отличается более тяжелым звуком и приглушенным вокалом. Тут музыку уже сложно определить к какой-то конкретной категории. Как только начинает казаться, что звучит грайндкор, как он вдруг превращается в хардкор, но не успеешь подумать о смеси этих двух стилей, как снова все ломается, сбивается и закручивается в тугой узел стилей, который распутывать совсем нет смысла. Достаточно сказать, что эта музыка серьезна и настойчива. Чувствуется целостность и отличная сыгранность, четкий вектор выбранного направления. Группа для концертов на больших площадках, для слэма и энергичных танцев. Дома, в комнате это звучит скупо, даже если громко. Нужна совместная энергетика многих людей, пропускающих через себя эти рифы и этот голос, чтобы прочувствовать всю силу Foible Instinct.

Особо выделяется откровенно хитовый трек Работа, Дом, Магазин, исполненный чрезвычайно агрессивно. Скоростное начало, драматичная пауза и качевый рифф в конце, повторяющий слова «Работа, дом и магазин – жизнь отражение пустых витрин» как мантру. Алгоритм жизни, замкнутый круг, в котором, как белка в колесе, до изнеможения выматывает себя большинство людей.

Завершается сет от Foilble Instinct кавером на GG Allin’а, который несколько выбивается из общей мизантропичной картины своим рок-н-рольным задором и чистым вокалом. Что впрочем, быстро компенсируется следующим треком, записанным вместе с Анатолием (Nook) из Forever Wasted. Тут можно подумать, что Foible Instinct уже закончили свою часть, трек начинается тяжелым и мрачным риффом и раскачивает его до конца, оборвавшись и окончившись вынесенным в отдельный 6-секундный трек выкриком о том, что все мы рождены мертвыми.


Вот здесь уже наступает пора приготовить себя к путешествию в самые темные ниши сознания и подсознания - места, где прячутся присущие всем и каждому инстинкты. Страх, отчаяние, ненависть и агрессия. Эмоции, которые многие подавляют, не замечают, отрицают, так же как привыкли не видеть грязь вокруг себя. Пока человек не видит, насколько мир вокруг жесток и глуп, он не может заметить эти черты внутри себя. Вещи взаимосвязанные и всегда реальные, как бы это ни отрицали гуманисты и филантропы.

Хардкор, дум-металл – эти две главные составляющие сладжа обнажены в музыке Forever Wasted до предела. В какой-то момент трека Mouth Full Of Blood можно сказать, что звучит дум, в другой - это будет самый настоящий хардкор. Медленный, тяжелый и грязный. Особенно хорошо звучит ведущий рифф – в его думовой основе есть диссонирующие аккорды, усиливающие мрачную атмосферу. Загробный вокал, редкие завывающие соло, размеренный тяжелый ритм – все направлено на создание удушливой, жаркой и грязной атмосферы. Воздух, которым до изнеможения тяжело дышать, но приходится, так как выбора нет.

В буклете диска на странице Forever Wasted помещен зарывшийся в землю бульдозер, и этот образ иронично отображает совсем не смешную, на самом деле, суть их музыки – зарыться глубже в ненавистные всем темы, показать то, на что обычно закрывают глаза. Человеконенавистнический гимн последним дням загнивающей цивилизации. Не ждите услышать здесь призыв что-то изменить, уже поздно, если когда-либо вообще было возможно поменять сущность человека. Заканчивается диск апокалиптичными риффами, которые устойчиво ассоциируются с обложкой. Выжженая, развороченная пустыня, кладбище всех человеческих стремлений, павших жертвой собственной природы.

После нескольких прослушиваний диска становится очевидно, что первые две группы описывают внешнюю сторону проблемы существования общества, поступки людей и их образ жизни, а Forever Wasted дают нам вид изнутри, давая понять, что движет всеми этими социальными механизмами. Сочетание стилей на диске перестает быть чем-то необычным, он слушается цельно, на одном дыхании и 42 минуты звучания оказываются долгими и наполненными событиями. Хороший пример того, как сплит трех коллективов может быть не менее концептуален, чем альбом одного.

© Neformat.com.ua 


download at mediafire
BUY CD (if you like it, don't be meanie)

07 сентября 2011

Cloudland Canyon - Lie In Light



Cloudland Canyon 
Lie In Light
Kranky, 2008


Этот альбом незаметно присутствует в каталоге моего любимого лейбла и как будто бы и не существует, остается незамеченным, пропущенным. Совсем немного прослушиваний на last.fm, совсем мало внимания такому замечательному релизу. Американо-германский дуэт на этом  альбоме создал трансконтинентальный психоделический поток, который обладает силой настолько мощной, что может своими протуберанцами достать до соседних звезд. 


Название первого трека Krautwerk откровенно сообщает нам, что сейчас произойдет путешествие в немецкий андеграунд 70-х. Нарастающие дроны долго оттягивают появление моторика и типичного двухгитарного размазывания нот по сознанию слушателя. Соло звучит как будто с изжеванной магнитофонной пленки, а изредка вырывающийся из стены звука вокал напоминает The Velvet Underground. Но уже на втором треке мы слышим шумный, протяжный, надрывный дрон, слитый из множества слоев гитарных фидбеков и отвлеченный вокал поверх него. Как будто несколько шугейз-команд играют одновременно с волынкой и состраивающимся оркестром. Впечатляющий звук. Немного разбавив монолитность альбома 
зашумленной электронной психоделией You & I, дуэт снова приступает к обработке мозга слушателя многослойными потоками дрона и гитарно-синтезаторной психоделии. Кажется, будто Tangerine Dream и Neu! скрестили с My Bloody Valentine, Nadja и White Rainbow. Сумашедший, гипнотично-притягательный коктейль из ярких красок. Словно смотришь в калейдоскоп всей психоделической музыки мира не только в пространстве, но и во времени. 


Kip Uhlhorn и Kelly Winkler объединили лучшие достижения немцев 70-х с современным американским психоделическим дроном и шугейзом. У них гораздо больше общего с Eternal Tapestry и Sun Araw, чем с прохладными краут-ревайвалами вроде Beak>. На альбоме очень мало рока, зато много насыщенного, зашумленного гула. Космические ветры, вздувающаяся волнами плазма, победа над гравитацией, приближение к скорости света.


download at mediafire

03 сентября 2011

Stag Hare - Spirit Canoes



Stag Hare
Spirit Canoes

Inner Islands, 2011

Под именем Stag Hare скрывается не то девушка, похожая на мальчика, не то мальчик, похожий на девочку. Это длинноволосое создание выглядит как хиппи, отправившийся на машине времени прямиком в двухтысячные и достаточно быстро здесь освоившийся. Впрочем, какая разница к какому полу относится музыкант, в наше-то время. Начав с самиздатов на cd-r, проект быстро занял достаточно заметное место на психоделической сцене Солт-Лейк-Сити. В отличие от большинства матерых исследователей кислотных пространств, Stag Hare далек от урбанизированного тяжелого звука и используя гитару, как и многие другие, он предпочитает играть на ней многослойный дрон, сопровождая его перкуссиями, звоном колокольчиков, голосами и пением птиц.

Дроновые эксперименты минималистов 60-х были хоть не очень многочисленными, но чрезвычано влиятельными на потомков психоделической революции. В то время как рок-сцена после запрета ЛСД переходила на другие, более темные наркотики и мир музыки обогащался различными нигилистично настроенными стилями, немногочисленные проповедники позитивного взгляда на мир, почитатели природы и голубого неба сохраняли настроения заданные Терри Райли (Terry Riley), чтобы создать новое направление в музыке.

Сейчас уже смело можно говорить о новом виде психоделической музыки. Это не психо-фолк, не new weird america и даже не психоделический рок. Двухтысячные подарили миру множество проектов объединивших лучшие начинания Терри Райли с архаикой, лесным примитивизмом и миром радужной аналоговой электроники.  Употребляются тэги drone и psychedelic, но они могут дать лишь общее представление. Дрон неизменно присутствует как основа всех композиций. Дрон сочный, теплый, мягкий и пульсирующий. Таким был Dreamweapon в исполнении Spacemen 3, но это был лишь фундамент. Поверх этого дрона обязательно присутствует много дилея, даже море дилея, бесконечные повторения и наслоения повторений. Петли звука, выстроенные дилеем, могут быть очень мелодичными, а могут сливаться в сплошную мерцающую массу. И весь этот животрепещущий поток сопровождается присутствием человека, который не выбивается из природы, не противопоставляется ей, а наоборот, дополняет и украшает ее своим существованием. Перкуссии, голоса и шуршание листьев под ногами. Придерживаясь этого рецепта, Stag Hare занимает почетное место среди коллективов вроде ValetSundrips или White Rainbow (кстати, с последними именитыми товарищами у Stag Hare выходил сплит White Stag ).

Stag Hare – идеальное сопровождение для прогулок. Многие люди на природе предпочитают слушать саму природу, я сам из них, но эта музыка будет отличным дополнением к вечернему чаепитию у костра или разглядыванию звездного неба, лежа в высокой траве посреди поля. Впрочем, она подойдет и для созерцательных прогулок вглубь своего я. Лето заканчивается, но пока земля хранит тепло, а деревья зелень, не упустите такой шанс!

Listen on bandcamp

also recommened - Stag Hare - Black Medicine Music

28 августа 2011

Brian Eno - Drums Between The Bells



«Слова вместе с музыкой» или «слова вместо музыки»?

Brian Eno
Drums Between The Bells

Warp, 2011

Человеку свойственна манера подменять вещи словами, которые их описывают. Это вопрос философский, и можно зайти далеко, пытаясь разобраться в чем же дело. Но в обыденной жизни обычно достаточно лишь здравого смысла и знания фактов. Так, например, большинство наивно полагает, что создателем эмбиента является сэр Брайан Ино. Эмбиент это музыка в которой привычные нам состваляющие, такие как ритм и мелодия, задвинуты на задний план и первенство остается за звуком как таковым. Эмбиент — это атмосфера. Воздух, заполняющий помещение и сознание слушателя. Окружение из набора немузыкальных звуков и бесконечно растянутых нот. Ино не создавал эмбиента, а только лишь ввел в обиход этот термин. Более того, сам он его сделал очень мало, большинство его работ скорее напоминают минималистичную инструментальную музыку в духе Гарольда Бадда. Неискушенный слушатель, послушав их, со спокойной душой может назвать эмбиентом Эрика Сати или чего уж там, Дебюсси и Арво Пярта. Хотя, в случае с Сати это будет не так уж далеко от истины, ведь именно он придумал концепцию музыки, которая наполняла бы собой пространство вокруг слушателя. Гораздо больше под определение эмбиента подходит музыка минималистов 60-х — Ла Монте Янга и Терри Райли, например. Тем не менее, Брайан Ино почитаем как «отец» и «маэстро» эмбиента. Хотя, если вспомнить, что в категорию «эмбиент» попадали The Orb, Aphex Twin и даже Moby, то остается лишь смирится с бессмысленностью такого определения, которое в свое время тянул на себя каждый, кто хотел казаться современным, и считать тэг ambient примерно тем же, что и indie rock.

Это был лишь вопрос времени — когда Брайан обратит свое внимание на поэзию. С живописью и видео-артом у него все сложилось хорошо, а что вышло с поэзией, хорошо демонстрирует эта работа. Понятное дело, стихи были выбраны совсем необычные, достаточно абстрактные, чтобы подойти практически к любой музыке. С первый треков становится ясно, что на этом альбоме не будет фирменного мелодичного эбмиента. На самом деле, эта работа — тщательно выверенная смесь из десятков стилей, элементы которых часто смешаны в одном треке.

Подбор голосов, пожалуй, самый главный плюс альбома. Каждый из них по-своему выразителен и эмоционален, несмотря на периодические искажения и спецэффекты. Впрочем, Ино вносит изменения в их звучание ровно настолько, насколько этого требует интеграция в музыку. Он все время пытается найти баланс между декламацией и пением. В итоге выходит так, что голоса звучат как будто склеенными из отдельных слов, и такое старомодное сэмплирование вроде бы придает музыке футуристичности. На самом деле, это так же похоже на музыку будущего, как Kraftwerk — лишь хорошо замаскированное под современность ретро.

Настоящего эмбиента на альбоме немного, но именно эти треки можно назвать самыми удачными. Например, «The Real» — возвышенная пьеса с философскими стихами, самая длинная альбоме. Выпусти Ино такой трек сам по себе, это был бы очередной «эмбиент от маэстро», но стихи и приятный девичий голос превращают трек в шедевр. Безусловно, это кульминация альбома в плане атмосферы.

Ино развлекается с хип-хопом (трек «Multimedia») так же легко, как с «умной» электроникой («Glitch») или тяжелым роком («Sounds Alien»), давая понять, что ему все по плечу, что он выше этих ярлыков. Он создает музыку с претензией на интеллектуальность и высокотехнологичное будущее, но, на самом деле, она до неприличия старомодна и проста. Поп-музыка пост-индустриального мира.
download ex.ua

10 августа 2011

Plante - Temples On High




Plante

Temples On High

Sweat Lodge Guru, 2010

1. Chariot
2. Journey Of The Twins

"Andrew Plante создает протяжные саундскейпы, используя гитару и гитарные педали для создания тяжелого гитарного дроуна вроде Sunn O))) с приемами игры Роберта Фриппа". Такое описание исполнителя можно найти на last.fm и другой информации практически нет. Эту кассету он записал совместно с McKinley Jones (синтезатор). Две стороны кассеты — два длинных трека монументального дроуна. Без какой-либо раскачки или вступления, без эмбиента или фолка, просто космическая артерия, пульсация которой может провести сознание слушателя по организму Космоса.

Влияние подобной музыки тяжело поддается описанию, это как медитация, во время которой ты ощущаешь понимание близость и единство со всем окружающим миром, но суть этого откровения остается лишь эмоцией, интуитивным восприятием, которое призрачно в мире обычных слов. Это прорыв внутрь структуры звука, когда многослойный поток дроуна звучит так, что в голове сами по себе возникают звуки, неотличимые от реальных. Кажется, что все инструменты мира звучат одновременно в одной ноте, которая есть лишь миг в сознании Брахмана...

Стоит предупредить, что эту музыку опасно выключать посреди трека, так как обрушившая тишина может вызвать эффект попадания в вакуум. Как нельзя будить человека, которой встал среди ночи, и пошел на прогулку, не просыпаясь. Идеальный саундтрек для осознанных сновидений и медитаций. На этой кассете и близко нет мрака дроун-дума или слащавости гитарных пассажей Фриппа. Есть лишь река звука, очень глубокая река, но с теплой, прозрачной водой. За этим потоком легко последовать, ведь эта музыка — символ бесконечности.

download at mediafire

09 августа 2011

Tether - Sines


Tether
Sines

Self-released, 2010

По-настоящему тяжелого дабстепа очень мало. Чтобы при этом он не срывался в драм-н-бейс, не обрастал походу дела злобной начиткой или слащавыми мелодиями. Все эти элементы делают дабстеп мейнстримовым, ведь какие могут быть танцы в клубе под монотонный ритм ударных и густой, как битум, бас. Чуть ниже я писал о недавнем концерте Scorn — тогда публика не танцевала, а просто качалась, как камыш под ветром или как детали некой ритм-машины. Вот и здесь имеем тяжеленный, густой, смолистый бас и размеренную долбежку ударных, очень напоминающие поздний Scorn и более дабовый Solarus, проект Джеймса Плоткина (James Plotkin). Под это невозможно танцевать, зато отлично прогуливаться. Неспешно и ритмично шагать, предаваясь своим мыслям.

Главный плюс этой музыки — верность самой себе. Весь альбом построен по единому алгоритму, в одном темпе. Разнообразие принесено в жертву гипнотическому минимализму. Как и большинство современных стилей, дабстеп ориентирован на звук, поэтому оттенки баса и сопровождающие его шумы имеют решающее значение. Sines настолько похож на Stealth Харриса, что неискушенный слушатель легко перепутает эти два альбома.


S. Klein, скрывающийся за проектом Tether также известен проектами Terminal Sound System (idm/glitch), Halo (чернушный мизантропичный sludge/doom), A Beautiful Machine (шумный шугейз/пост-рок образца середины 90-х). Как видим, личность всесторонне развитая, и обвинять его в наглом копировании вроде бы как неприлично, но и утверждать, что этот австралиец имеет свой стиль тоже не выйдет. Как бы там ни было, это вопрос его совести и самолюбия, а слушателям не помешает в коллекции еще один альбом в духе Stealth и Refuse: Start Fires, ведь такого хорошего дабстепа совсем немного...

07 августа 2011

Aidan Baker - Still Life



Aidan Baker

Still Life

Primary Numbers, 2011

В последнее время Бейкер сбавил темпы выпуска новых альбомов и гораздо больше внимания стал уделять эксперименту. Он и раньше радовал слушателей неожиданными ходами, но на этот раз он оставил свой главный инструмент - гитару. Произошло это еще зимой прошлого года, когда Эйдан был в Торонто. Мультиинструменталист по натуре, он с детства предпочитал гитару, сначала как протест флейте (это был его инструмент в консерватории), после, уже как генератор любых звуков - от дисторшированной стены звука до мелодичных переливов и лупов. Все это и многое другое было в альбомах Эйдана в обилии. На этот раз он ограничился фортепиано, контрабасом и ударными.

С самых первых, растянутых и долго затухающих нот возникает стойкая ассоциация с Bohren And Der Club of Gore и я было уже подумал "ну вот, и он туда же", но, к счастью, впечатление быстро рассеялось. В отличие от именитых немцев, Бейкер не нагоняет мраку, он создает пейзаж, скупыми, но выверенными мазками рисуя картину застывшего мира. Зима в полновластии, практически ничего не движется, кроме снега. Но все-таки статика царит недолго, и композиция обретает ритм и мелодию, будто бы увлекая слушателя от созерцания пустых, заснеженных улиц вглубь себя и своих мыслей, которые уже чуть было не замерзли, как и все вокруг.

Дальше музыка становится сложнее и насыщеннее. Теперь мы уже наедине со своими засыпающими беспорядочными мыслями. Дрейф над морем из обрывков воспоминаний, снов, чьих-то слов и забытых идей. Музыка приобретает все более джазовый оттенок: импровизированная партия ударных, развернутые задом наперед звуки фортепиано и тихо гудящий на фоне контрабас. Гипнотичная ритмика обрывается, чтобы уступить место звонкой капели фортепиано и легкому постукиванию перкуссии. Тут вспоминаются сольные работы Криса Абрахамса (Chris Abrahams) из The Necks. Это уже совсем другой джаз, стремительный, но тихий, загадочно мерцающий разноцветными бликами. Танец лучей света на тонких, прозрачных сосульках. В нем чувствуется некая тревожность и спешка, хотя, казалось бы, чего бояться сосулькам?

Дальше снова приходит черед гипнотичным джазовым конструкциям, которые волнообразным движениями опускаются к земле, как падающий большими хлопьями снег. Их усложняющаяся структура - это тот же снег, рассмотренный вблизи, фрактальные снежинки, по узорам которых можно уходить в бесконечность.

Эйдану удалось создать пейзажи располагающие не только к созерцанию, но и побуждающие жить в них. Использовав ритмику джаза и гармонию свободно вибрирующих струн пианино, он открывает миры, ничего о них не рассказывая, лишь отодвигая занавес и приглашая заглянуть. Эти миры напоминают своей атмосферой "Волшебную зиму" из серии о муми-троллях Туве Янссон — сонное царство в котором витает нечто магическое, обретающее силу лишь когда все спят глубоким сном и видят сны о теплых летних днях.

Этот альбом можно смело назвать одной из лучших работ Бейкера. Для него это большой шаг в сторону академического минимализма в его современном виде, в данном случае сквозь покрытое морозными узорами стекло джаза и эмбиента.

listen at bandcamp

06 августа 2011

Scorn – Yozza



Scorn
Yozza
Ohm Resistance, 2011

Еще одна EP от Мика Харриса вышла еще в начале этого года. Тогда он посетил с концертом Киев, отыграв 2,5 часовой сет, в котором было все - от нового материала, до вариаций на тему Plan B и Stealth. Сопровождал Харриса сурового вида драм-н-бейс продюсер Kurt Gluck, на лейбле которого и вышел данный релиз. Уже тогда новый материал порадовал публику, потому как Харрис вроде бы как сошел наконец с накатанной колеи и зазвучал свежее. Казалось бы, ничего не изменилось, формула его музыки прежняя: низкотемповая мощная ритм-секция и густой, обволакивающий бас. Все просто и знакомо. Харрис балансирует на грани с дабстепом, который он сам очень не любит. Проблема в том, что Мик далеко не в восторге от популярности музыки, похожей на то, что он делает уже много лет, независимо от мейнстрима. Именно поэтому на последнем полноформатнике и на этой епишке он возвращет к жизни былой Scorn в новом облачении. Живые ударные, еще более тяжелый бас, еще более плотный звук. Но появилось нечто новое за бетонными сваями ударных и асфальтным потоком баса - все пробелы теперь заполнены пульсирующим, звенящий, булькающим эмбиентом. Эта фоновая подложка кардинально меняет восприятие музыки Харриса. У него и раньше были звуки на фоне ритма, но всегда лаконичные, четкие, механистичные. Теперь же эта сваезабивочная машина звучит на фоне индустриальных пейзажей небывалой красоты. Не ждите, что услышите что-то радикально новое, это все тот же Scorn. Но, сдается мне, у него открылось второе дыхание и скоро он еще нас удивит.

Chihei Hatakeyama - Mirror


Chihei Hatakeyama
Mirror

Room40, 2011

01. Ferrum [16:13]
02. May 15, 2010 [1:42]
03. Spilth [10:31]
04. October 3, 2009 [2:50]
05. Renitency [3:53]
06. July 4, 2008 [0.46]
07. Alchemy [9:10]

Классический эмбиент в 2000-х значительно преобразился, стал гораздо более минималистичным как в средствах выражения, так и в звучании. Если раньше Брайан Ино старательно сводил мелодичные пассажи гитар и полевых записей, то теперь эти же ингредиенты попросту обрабатывают на компьютере, превращая любой звук в мерцающий и переливающийся поток атмосферного дроуна. Такой музыки очень много в Японии и не меньше в закромах сетевых лейблов. Рецепт простой, особых навыков не требует.

Chihei Hatakeyama музыкант со стажем, его релизы выходили на всех именитых эмбиент-лейблах. Логично предположить, что именно он и создает это звучание, но, если вспомнить его старые работы, то становиться ясно, что его звучание было другим, более электронным, более насыщенным. Тем не менее, не изменилось главное - настроение. В его альбомах царит мир и покой. Здесь имеем дефолтный набор - гитарные и электронные звуки, слитые в прозрачную дроуновую текстуру, перемежающиеся ничем не примечательными полевыми записями. Блики солнца на воде - идеальная визуализация этой музыки. Ее можно слушать бесконечно, это просто воздух, которым ты дышишь и молекулы настроения, которые ты не замечаешь. Этот альбом посвящен зеркалам, их трансцендентной связи с Солнцем. Но ничего того, что мы привыкли называть трансцендентным, в музыке нет. Это классический образец mood music или даже home listening (что бы это ни значило). Оба тэга прекрасно описывают альбом. Приятная, солнечно-ленивая атмосфера для чаепития и ничегонеделания.

05 августа 2011

Barn Owl - Lost in the Glare


Barn Owl
Lost in the Glare

Thrill Jockey, 2011

01. Pale Star
02. Turiya
03. Devotion I
04. The Darkest Night Since 1683
05. Temple of the Winds
06. Midnight Tide
07. Light Echoes
08. Devotion II

Два товарища из Сан-Франциско, прикрывшись названием симпатичной птицы из отряда совообразных, пишут густой гитарный дроун, и очень даже преуспели в этом деле за последние пару лет. Их работы издавались на Not Not Fun и Root Strata, а в прошлом году вышел шикарный релиз Ancestral Star, на Thrill Jockey, после чего пришла к этим бородатым парням заслуженная слава.

Своим существованием они как будто заставили встрепенуться не только слушателей, но и критиков, особенно в Интернете. При этом нельзя сказать, что это очередной исполнитель, за которого «взялись всерьез» и выжимают все соки, просто потому, что это очередной бренд. Может быть, с внешней стороны выглядит все именно так. Сначала появляются два товарища и играют что-то очень похожее на поздние работы Earth или на Harvestman, а потом то ли к парням приходит осознание своего стиля, то ли просто уверенность, и совсем незаметно эта музыка теряет всю связь с рок-культурой. Barn Owl звучат как ритуал. Они носят длинные волосы и бороды, играют на гитарах, но их музыка намного ближе к минимализму Ла Монте Янга (La Monte Young), чем к южным балладам Earth. При этом она лишена ярко выраженной восточной окраски, так характерной для эпохи минимализма. Вектор внимания направлен в сторону фолк-музыки и «мягкой» психоделии и преобладают созерцательные настроения.

Опыт сотен гитаристов, играющих эмбиент, не раз показал, что этот инструмент практически универсален. Теплый гитарный звук, утопающий в море реверберации — основной ингредиент Barn Owl. Они мало используют вокал или перкуссии, зато много других струнных инструментов кроме гитары - от самых простых. до таких уникальных, как Long String Instrument Элен Фуллман (Ellen Fullman), с которой у них вышел альбом The Headlands (Элен, между прочим, представитель академического минимализма 80-х наряду с Паулиной Оливерос, Шарльманем Палестином и Филом Ниблоком). Атмосфера ритуала и загадочного туманного пространства роднит дуэт с шаманским эмбиентом и психофолком, а дроуновая основа, позволяет котировать этот коллектив множеству совершенно разных людей — от суровых любителей дум-металла в духе Sunn O))) до изнеженных «детей цветов» нашего времени, которые обожают добавлять тэг drone ко всему, что хоть немного отдает измененными состояниями сознания. Таким образом, наши герои оказываются на вершине горы, прочно стоящей на академическом минимализме и устремленной в психоделические облака нашего высокотехнологичного будущего.

Lost in the Glare звучит очень уверенно. Это не работа начинающих и не импровизация. Несмотря на фирменную туманную размытость, эта музыка продумана и взвешена. Каждый грамм этой субстанции — часть общего рецепта. Это может быть щепотка сушеных трав, брошенная в жаровню посреди ритуального круга, может быть горсть земли из-под векового дуба, а может быть просто глоток высокогорного тумана ранним утром. В любом случае, каждый элемент поставлен на свое место, рецепт проверен и освящен. Каждое прослушивание — ритуал. Сложно описать возникающие при этом эмоции, плотная пелена из дроунов и струнных переливов покрыта размытыми рисунками, на который часто бывает сложно понять, чей силуэт ты видишь — манящей пением нимфы или воющей баньши...

Первый кульминационный момент альбома наступает на треке The Darkest Night Since 1683. Скорее всего, имеется в виду кровопролитная Венская Битва, когда христиане нанесли сокрушающий удар по войску Османской империи после того, как те два месяца осаждали Вену. Своими низкими нагнетающими риффами этот трек напомнил другую композицию, также посвященную военной теме — альбом Verdun группы Black Boned Angel. Хотя Barn Owl, конечно же, далеки от опустошающего сознание дроун-дума новозелендцев, альбом быстро возвращается к привычному мелодизму — смычковые пассажи, переборы и густой туман гитарного эха. Музыка проникает всюду, заполняет собой все пустоты, словно влажный мох на земле и деревьях. Тревога сменяется сонливостью и усталой размеренностью движений. Ритуал продолжается, но главные опасности уже позади.

Демоны побеждены, тьма рассеивается, близится утро, и музыка становится светлее, прозрачнее. Исчезающий туман открывает перед слушателем манящий простор холмистого пейзажа, казавшиеся черными тучи превращаются в похожие на перья совы облака, постепенно подсвечивающиеся красным. Вторая и последняя кульминация провозглашает восход Солнца. Магия ночи рассеивается, ритуал завершен. Впереди следующий день, каким он будет — уже совсем другая история.

download at mediafire

01 августа 2011

The Fun Years - God Was Like, No



The Fun Years
God Was Like, No
Barge Recordings, 2011

The Fun Years – дуэт, исполняющий шумный, подвижный гитарный эмбиент с помощью, собственно, гитары и компьютера. Несколько лет никому неизвестные, они давали домашние концерты и писали понемногу в домашней студии свои треки. В 2008 году они выпустили полноформатник Baby, It's Cold Inside, который стал альбомом года на Boomkat, снискал множество восторженных отзывов, и действительно был глотком свежего воздуха в засилье однообразных лоу-фай дрон гуделок, коими нынче пестрит Интернет. Заставивший себя ждать следующий релиз просто обязан был стать новым откровением. В промежутке между альбомами группа выступала на различных фестивалях электронной музыки, играя новые, очень хорошие треки, которые логично было ожидать на новом релизе. Но в ноябре этого года выходит пластинка God Was Like, No с абсолютно новым треклистом и традиционно минималистичным оформлением.

Алгоритм всех их треков, в общем, таков: гитара играет зацикленные мелодии или короткие последовательности нот, ее звук пропускается через несколько примочек и педаль лупа. Второй участник манипулирует звуком гитары с помощью ноутбука, добавляя шума, винилового треска и хруста. На Baby, It's Cold Inside этот рецепт дал вкуснейший результат! Новый релиз оказался изотропным продолжением, рецептура нисколько не изменилась, скорее даже упростилась.

Встречает слушателя бодрый гитарный перебор, быстро тонущий в облаках шума, который у The Fun Years никогда не звучит без треска и щелчков. То ли это стилизация под винтажный саунд, то ли особенность их аппаратуры – не суть важно. Дело в том, что эти щелчки, весьма уместно и в меру используемые на упоминавшемся хитовом альбоме, в данном случае звучат практически непрерывно, быстро надоедая и отвлекая от попыток вслушаться в звуковое полотно. Это первый камень преткновения.

Дальше все идет чрезвычайно предсказуемо. Как ни ожидал я услышать какой-то необычный поворот сюжета или хотя бы альтернативный способ звукоизвлечения — все тщетно. Играет гитара, ее звук все время проходит через фильтр высоких частот, который постоянно плавно открывается-закрывается, давая ход шуму и треску. Мелодии сыграны красивые, намного более разнообразные, чем на предыдущем альбоме. К середине альбома понимаешь, что это весьма хороший и красочный пост-рок, который утонул в море шума и помех, заблудился в фильтрах и почти увял, испарился, как медуза на песке... Ни повторное, ни пятое прослушивание не изменили первого впечатления — перед нами яркий пример попытки сделать «такой же классный альбом». Вся сила разочарования пластинкой продемонстрирована треком Psychic Career — звучит гитарный рифф, вот-вот готовый взорваться мощной пост-роковой кульминацией, сквозь фильтр даже проскакивает обрывок вокала, но все снова тонет в изрядно надоевшем шуме... Единственный действительно хороший трек – Little Vapors, я выделил только после того, как услышал его на радио, отдельно от остальных. Его отличает сэмплированное пианино – снова-таки, реверанс в сторону хитовости трека Auto Show Day Of The Dead, который был самым сильным на Baby, It's Cold Inside.

Дослушивается альбом в режиме «скорее бы», на переслушивание не претендует. Обидно осознавать, что группа, выдавшая прекрасный материал, сможет так безжалостно упаковать все свои идеи в поцарапанную упаковку и поставить на ней штамп самокопирования. Возможно, конечно, это всего лишь взгляд из прошлого, и новый альбом, сам по себе,– весьма хороший образец гибридизации пост-роковой мелодики с нойз-эмбиентными пассажами в духе Тима Хекера (Tim Hecker). Может быть, эта работа — всего лишь переходной период между старым материалом, и чем-то новым, тут уже сложнее сказать, остается лишь банальное «время покажет»... В любом случае имеем талантливый дуэт, из трех полноформатников которого первый невзрачный, второй превосходный, третий — не очень качественная копия самих себя.

mediafire

Seefeel - Seefeel


Seefeel
Seefeel

Warp, 2011

01. O-On One - 1:04
02. Dead Guitars - 6:25
03. Step Up - 1:04
04. Faults - 5:45
05. Gzaug - 2:48
06. Rip-Run - 7:02
07. Making - 5:53
08. Step Down - 0:52
09. Airless - 5:41
10. Aug30 - 5:47
11. Sway - 9:18


В современном перенасыщенном аудио-пространстве у музыканта есть два способа для того, чтобы оставаться на виду. Легкий путь — забрасывать публику альбомами, синглами, ремиксами и видеоклипами. Этой «стратегии» придерживаются практически все, и она себя оправдывает. Только велика вероятность так же быстро надоесть и «исписаться». Второй способ — написать несколько работ, но настолько идеально выверенных и качественных, что эта музыка поселится в душах тысяч покоренных слушателей. Так появляются «культовые» исполнители, записавшие парочку «культовых» альбомов и исчезающие, растворяющиеся в лучах собственной славы. Seefeel никогда не были продаваемой или чрезвычайно востребованной группой, но так любимая публикой культовость прилипла к их имени достаточно быстро.

Работы Seefeel выходили на Warp и на Too Pure, а для большинства коллективов этого более чем достаточно для приобретения легендарного статуса. Но дело в том, что их альбомы действительно отличались, по-настоящему увлекали. Это была романтика полета в лучах заходящего солнца на крыльях теплого ветра. Тепло и воздушность — две главных составляющих музыки Seefeel, обеспечили ностальгическое отношение к их музыке. Будучи однажды прослушанной в соответствующем приподнятом настроении, она может вызвать его снова спустя много лет. Далеко не каждое сочетание бита с эмбиентом настолько эффективно. Это были 90-е: время, когда критики кричали о смерти электронной музыки, пока она мутировала и рождала новые удивительные виды в бесконечном эволюционном танце.

Пресловутая и обожаемая всеми культовость обычно подразумевает исчезновение коллектива из поля зрения поклонников. Когда это условие не соблюдено, группа эту культовость растрачивает, будто питаясь лишь за ее счет. Еще чаще происходит Возвращение. Реюнионы стали таким же простым способом «подзарядиться» за счет запасенной культовости, как, например, ремейки старых блокбастеров или, чего лучше, пересъемка старых
фильмов в 3D...

Часто ли бывает, чтобы ремейк был лучше оригинала? Часто ли реюнион задумывается не ради денег и былой славы? В данном случае так и хочется сказать об исключении, но все же стоит взвесить все аргументы. Новый альбом после 14 лет тишины — возвращение эпичное, торжественное. Это чувствуется в альбоме со второго трека. Seefeel потяжелели, обросли низкими частотами и дисторшном. Тяжелый бит словно расталкивает толпящихся молодых дабстеп-продюсеров, и они разбегаются в ужасе, спотыкаясь своим псевдо-степом, который только-только пророс из останков минимал-техно задохнувшегося в чаде ночных клубов.


Seefeel помнят, как делать эмбиент, помнят настоящий трип-хоп и даб. Их звук современный, сочный и плотный. В нем осталось лишь эхо былой воздушности в виде доносящегося издалека вокала и эмбиентных проигрышей. За счет своей медленной и уверенной поступи, ленивой как прежде, эта музыка сохраняет былую атмосферу, но, благодаря постоянным сбивкам и цифровым искажениям, она звучит словно сквозь помехи, создаваемые сегодняшним днем. Так звучали бы современные ремиксы на Bowery Electric или шугейз-эмбиентные кавера на Portishead.

Ощущения после прослушивания смешанные — музыка очень качественная, красиво и мощно звучащая. Рассматриваемая сама по себе, она заслуживает наивысшей оценки. Но трудно забыть культурный аспект, ведь музыка существует сама по себе лишь в неком ограниченном пространстве. Как явление комплексное, она должна быть рассмотрена в обстоятельствах своего появления. Каковы бы ни были причины, побудившие Seefeel записать этот альбом, они сделали это с тонким расчетом на современность: вооружившись таким популярным нынче дабстепом, обернувшись в IDM и окружив острые углы всегда приятным эмбиентом.

Как бы там ни было, эта музыка существует сама по себе. Гудит, вращается, стучит, танцует. И делает это на высшем уровне.


Ryoji Ikeda - Ощути себя оптоволоконной линией


Шумовая электроника, особенно экспериментального толка, редко бывает приятной уху неподготовленного слушателя. Начиналось все в 70-х с «конкретной музыки», (которая существует в замороженном виде и поныне), продолжилось в виде массы нойз-дрон-эмбиент-индастриала, и сейчас каждый, кто умеет издавать звуки из компьютера или какого-то оборудования может считаться «композитором». Особенно щедра таким продуктом земля японская, ныне пребывающая в стрессовой ситуации, которая, несомненно, принесет в будущем еще больше агрессивного нойза и всяческого непременно высокочастотного саунд-дизайна.

В массе беснующихся в потоках шума японцев всегда выделялся интеллигентный Ryoji Ikeda (Риодзи Икеда). Его музыка заслуживает пристального внимания, хотя бы потому, что это настоящий современный минимализм — впитавший настрой академического минимализма Стива Райха и развивающий идеи Ксенакиса и Штокгаузена в пенящемся море современной электроники. Музыка Икеды мало подходит для домашнего прослушивания, а обложки его дисков предостерегают от прослушивания в наушниках или на большой громкости. Это звук для наполнения помещений, создание акустической среды,
в которой слушатель никогда не бывает пассивным, каждым своим движением или даже одним присутствием изменяя личную аудио-картину. При этом звук Икеды никогда не существует отдельно от видео — этот мигающий черно-белыми полосками медиа-конгломерат можно назвать его визитной карточкой или, скорее, его вселенной, двумерной на экране, многомерной в звуке.

Его звук создан из чередования примитивных структур — синусоид и шумов. Видео, как правило, не намного разнообразнее. Быстрый поток этих данных имеет очень сложную структуру — стоит лишь посмотреть на спектрограммы треков. Этот поток в буквальном смысле прошивает мозг насквозь, пронизывает нервную систему и иногда совсем не сложно ощутить себя оптоволоконной линией связи, по которой текут гигабайты загадочной информации. Бинауральные эффекты и психоакустические фокусы — мастер Риодзи пользуется всем этим чрезвычайно виртуозно, заставляя звук стать частью обстановки, что по сути является переосмыслением идей Эрика Сати в контексте XXI века, расширяя его функцию от чисто инсталляционной до биологической, создавая некое наполнение медиа внутри мозга слушателя. Логично, что при этом он задействует два основных канала доступа — глаза и уши.

Тем, кто уже поставил на закачку все альбомы, важное замечание — это именно та музыка, которую нельзя слушать в мр3 формате. Часто вы рискуете попросту ничего не услышать, так как большинство аудио-событий происходит за 16 kHz.

Если ранние работы Икеды вполне могут быть отнесены к «чрезвычайно интеллектуальной танцевальной музыке», то поздние вещи — настоящая алхимия современности, преображение слушателя в часть композиции. Классическими альбомами уже уверенно можно назвать Matrix и Dataplex, последние работы развивают те же наработки. Особое внимание стоит уделить альбому Op, на котором музыку Икеды исполняет струнный квартет (!). Его типичный прием — исчезновение звука за предел слышимости, как нижний, так и верхний. Обилие высоких частот может вызывать неприятные ощущения у людей с расстройствами психики, хотя иногда кажется, что здоровый человек не-японец это тоже слушать не может.

Также не стоит забывать о совместном проекте Риодзи с Николаем Карстеном (Alva Noto), где его музыка за счет стараний Николая становится намного более человечной и слушабельной. Недавно вышедший id — второй альбом проекта — идеален для начального ознакомления с подобной музыкой. Здесь типичное высокочастотное насилие уходит на задний план, уступая место плотно сбитым басовый партиям и хрустящим глитчам. Карстен движет огромную махину лейбла raster-noton, уж ему-то не знать, что сделать с музыкой Икеды, чтоб она стала актуальной здесь и сейчас, а не в пятом тысячелетии. Хотя и эта работа не лишена машинной безразличности к слушателю. Если творчество вообще — это интерпретация информации, то эта музыка — информация сама по себе.


kievreport.com/